Polder Cup es un campeonato de fútbol en los pólderes. Las particularidades de este paisaje típico holandés suponen que los campos de fútbol sean cruzados por acequias o que el terreno de juego sea pantanoso, lo que obliga a adaptar las reglas e inventar nuevas estrategias de juego. De este modo, una práctica global estandarizada se reinventa a partir de su inserción en un contexto específico para adquirir un nuevo carácter local.

“La fachada del Witte de With en el centro de Rotterdam estaba cubierta con un banner de color verde hierba que mostraba imágenes de campos atravesados por canales y marcados con líneas blancas. Unidos, los terrenos formaban cuatro campos de futbol, uno grande y tres pequeños. Las líneas en tiza aparecían irregulares en comparación con las perfectas líneas rectas de los canales, los cuales dividían los campos de juego en bloques asimétricos salpicados de hoyos y salientes. El banner invitaba a los transeúntes a participar en un partido de fútbol en los pólderes, donde los poco convencionales campos de juego advertían de la necesidad de adaptar las reglas del juego a una nueva situación.

Los participantes debían afrontar cambios en las reglas del juego, así como la alteración de escenas reconocibles. Los campos de fútbol re-dividen el paisaje familiar de los pólderes parcelados, mientras que las acequias y el terreno pantanoso característicos del paisaje holandés determinan cómo se juega.

(…) Los límites de los campos de fútbol estaban señalados por líneas de tiza blanca y por banderines de córner y porterías auténticas; los balones que acababan en los canales se recogían con redes, y los tiros que se iban fuera se recuperaban utilizando canoas y remos.

(…) El juego es capaz de activar el paisaje geométrico de los pólderes con canales y terrenos, dotándolo de una nueva personalidad; en palabras de De Certeau, el evento transformó un ‘lugar’ (lieu) estable e incontrovertible en un ‘espacio’ (espace) dinámico.

(…) En Polder Cup, la alta hierba, el polen y el terreno fangoso restringían los movimientos de los jugadores. Los canales no sólo seccionaban los campos de fútbol transversalmente, sino que la presencia del agua también significaba modificar las reglas oficiales del juego. A los jugadores no les estaba permitido saltar los canales, lo cual suponía que un defensa siempre estaría separado del delantero de su propio equipo por el agua; por consiguiente, los jugadores tuvieron que debatir y revisar sus tácticas, ideando en el momento nuevas estrategias sin precedentes.”

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Imágenes: Maider López

Texto: Ilse van Rijn

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La instalación mejora cualitativamente la experiencia del usuario del transporte público, haciendo más emocionante el tiempo de espera hasta la llegada del tren.

Este proyecto de carácter permanente fue realizado por la artista chilena Tania Ruiz en el año 2010 en la Estación Central del ferrocarril de Malmö (Suecia). La actuación es parte de un proyecto de mayor escala llevado a cabo por la administración del conocido como Túnel de la Ciudad (Citytunneln), infraestructura a la cual pertenece esta estación, en colaboración con el Consejo Nacional del Arte Público de Suecia. El proyecto global nace a partir de la decisión de eliminar la publicidad en todos los espacios del túnel y sustituirla por instalaciones de arte.

“La administración de Citytunneln ve en las instalaciones artísticas un aliado estratégico, puesto que considera que pueden contribuir activamente al bienestar de sus usuarios. Ello fomenta el uso del transporte público y disminuye el uso del vehículo privado, efectos plenamente coherentes con las directrices establecidas por el plan urbano de Malmö en pro de la sostenibilidad económica y ecológica.”

En esta línea, la instalación “Elsewhere” consigue hacer más emocionante el momento de espera hasta la llegada del tren, mejorando la experiencia del usuario  del transporte público.

«Elsewhere es una obra de videoarte que busca transformar el paisaje de hormigón armado de la estación de Malmö en un amplio espacio abierto.»

«A través de proyectores que evocan la experiencia perceptiva desde el tren, se invita a los usuarios a perderse en las imágenes durante su espera. Las proyecciones se disponen a modo de ventanas, de modo que la estación se convierte en un tren que pierde sus vías espaciales y temporales, viajando por toda la tierra».

Pese a que a veces este tipo de actuaciones artísticas pueden parecer anecdóticas o poco relevantes, lo cierto es que son capaces de afectar muy positivamente a la calidad del espacio urbano y mejorar la percepción del ciudadano sobre la ciudad y sus infraestructuras.

En este sentido, la administración del Túnel de la Ciudad de Malmö demuestra ser consciente de que la mejora del transporte público no debe atender exclusivamente a criterios cuantitativos (distancia hasta la parada, frecuencia de paso, puntualidad, velocidad…), sino también a aspectos cualitativos que afectan de manera importante a la decisión del ciudadano respecto a qué medio de transporte utilizar para moverse.

«En cuanto al ritmo de reproducción, [‘Elsewhere’] se concibe como una liberación para el espectador individual. Las imágenes grabadas se ralentizan, contrastando con la velocidad de la vida urbana cotidiana e invitando a sentir el paso del tiempo».

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Women Are Heroes es un proyecto llevado a cabo entre 2008 y 2009 en distintas ciudades de África, Brasil, India y Camboya por el artista francés JR, ganador del premio TED en 2011.

Las intervenciones reconocen y destacan el papel social de la mujer en estas zonas de conflicto, celebrando su heroicidad desde un enfoque expresivo y optimista. Los imponentes retratos de mujeres locales hacen que sus desafortunadas historias salgan a la luz y se conviertan en las protagonistas del paisaje urbano al que están ligadas. De este modo, el proyecto busca respaldar la capacidad de resiliencia de la comunidad femenina y alcanzar cierta concienciación social.

«Con el objetivo de rendir homenaje a quienes juegan un papel esencial en la sociedad y son sin embargo las principales víctimas de la guerra, el crimen, la violación y el fanatismo político o religioso, JR pegó enormes fotos de los rostros y los ojos de las mujeres locales por todo el exterior de la favela, dando un aspecto femenino tanto a la colina como a la favela».

«Hemos tenido que adaptarnos a este mundo en el que los techos de las casas están hechos de plástico y los revólveres de los niños de acero. Nos las arreglamos a pesar de las empinadas calles, las inestables casas, los impredecibles cables eléctricos y los intercambios de disparos», señalaba JR respecto a la intervención en la favela Moro de Providencia de Río de Janeiro.

Finalmente, todas estas experiencias serían recopiladas en un documental y un libro.

(+info: JR)

(+info: el libro)

(+info: el documental)

(vía The Guardian)

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Hace unos meses publicábamos este post sobre el desarrollo y la fabricación de un suelo tecnológico que convierte la energía cinética generada por las pisadas en electricidad renovable, pudiendo ser utilizada para iluminación, redes de comunicación, etc. o bien ser almacenada para usos posteriores.

En este caso, mostramos una aplicación práctica de este tipo de suelo en un contexto de deficiencia y precariedad en servicios públicos básicos como la iluminación. En la favela de Morro da Mineira, Brasil, el campo de fútbol de reciente creación incorpora esta tecnología y, de esta manera, se convierte en el primer campo de fútbol iluminado por la energía producida por los propios futbolistas.

«La nueva tecnología se llama Pavegen. Las placas están confeccionadas en un 80% con un material reciclado. Durante la noche, el 100% de la luz existente en el terreno es generada por la energía cinética de los jugadores. Durante el día, entre el 75% y el 80% de la energía procede de un panel solar instalado encima de una escuela de samba ubicada al lado del campo.

Como embajador del proyecto y presente en la inauguración estuvo O ReiPelé, que confiaba en que, con proyectos como éste, el mundo comience a mirar a Brasil como uno de los países punteros a la hora de llevar la ciencia y el avance tecnológico al mundo del deporte, en este caso, el fútbol. ¿Estamos ante el futuro del ahorro energético en los estadios?»

(Vía Marketing Deportivo)

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Por fin, 23 años después del proyecto original y con el acondicionamiento de las laderas del río finalizado, del 1 al 8 de agosto se reactivará en Elche el Proyecto Víbora II, que tanto se ha hecho esperar. En un entorno el del río que siempre ha sido corazón de la ciudad de las palmeras y que recibirá a los múltiples artistas plásticos, grafiteros y colectivos que colaborarán en un mural que batirá records (2.800km de largo y 14,5 de ancho).

Y Elche, ciudad que siempre ha apostado por el arte y la cultura, se volcará con la iniciativa. Tanto que, según laverdad.com, «Se estima que al menos un centenar de participantes darán forma al nuevo mural, que tendrá un esquema similar al de 1991: el itinerario se dividirá en parcelas y cada una de ellas tendrá un diseño propio y un grupo asignado para su realización.» Sin duda, un gran movimiento social por el arte y la sostenibilidad cultural del municipio ilicitano.

«En el verano de 1991, artistas plásticos de Elche y otros puntos de España e incluso del extranjero -con notable presencia de integrantes del grupo danés Kunst for Livet-, respondieron a la llamada de los ilicitanos Esbart Zero (Casto Mendiola, Andreu Castillejos, ambos fallecidos, y Juan Llorens) para llenar de color el lecho del río en su canalizado tramo urbano.

Aquello se denominó ‘Proyecto Víbora’, por el sinuoso trazado que simulaba una serpiente, y reunió a más de un centenar de participantes, que plasmaron a ambos lados del canal central coloristas escenas de lo más variado, hoy prácticamente inapreciables. Pero eso cambiará este verano, porque el ‘Víbora II’ está ya en marcha, y serán artistas de arte urbano -grafiteros- quienes lo materialicen del 1 al 8 de agosto.»

«Por primera vez en la historia de la pintura local colocábamos a la intemperie, con carácter efímero, una obra colectiva de proporciones gigantescas (figuraría en el Libro Guinness de los Records como ‘Mural más grande del mundo’), 1.200 mts de largo por 14,5 de ancho y realizado por todo el abanico multicultural que se pudiera presentar: desde los muralistas venidos de todas partes, pasando por los pintores de caballete, hasta la participación de las amas de casa y los niños. Todo un monumento de arte no excluyente en tiempos de globalización» explicaba Juan Llorens ya en agosto de 2010, tras varios intentos de repetir esta iniciativa artístico y cultural en el cauce del Vinalopó.

Parecía que ese año, debido a los actos conmemorativos del nacimiento del poeta Miguel Hernández iban a ser concluyentes para el Víbora II estando coordinados estamentos europeos preparados con ayudas en forma de subvenciones, ayuntamiento, empresas de pinturas, patrocinadores y sobretodo múltiples artistas ilusionados con el ambicioso proyecto.

Pero ya inmersos en cuestiones como el vínculo temático con la conmemoración del poeta, el batir de nuevo el record del Libro Guinness, la división de la superficie en parcelas, o la coordinación de «la participación de todas las fuerzas vivas: los niños, los pintores amateur, los artistas plásticos, los del teatro, los músicos, los escritores de graffiti, los poetas y la gente en general»;  surgieron los problemas.

Por entonces se aprueba convocatoria de un concurso para actuar en las laderas del río, en el que sale escogido El valle trenzado, una actuación paisajística propuesta por grupo Aranea. Actuación que iba a respetar el cauce seco del río (propiedad de la Confederación Hidrográfica del Júcar), pero que entorpecería e imposibilitaría la acción artística debido a la necesidad de vallar el perímetro del río prohibiendo el acceso peatonal y debido al tráfico de maquinaria pesada por la superficie que se dedica al proyecto, «estuviera pintado o no.»

Finalmente, el proyecto sale adelante y sumará su carácter a la delicadeza del proyecto desarrollado por Aranea, ganador este año del premio FAD en la categoría ciudad y paisaje. Sin duda, un magnífico legado cultural y arquitectónico para la ciudad de Elche.

Si quieres participar, tan solo rellena el formulario que encontrarás en la página web oficial del evento.

(via laverdad.es)

(+info)

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«En el verano de 1982, la artista de landart, Agnes Denes, plantó un trigal de dos acres en el vertedero Battery Park de Manhattan. (…) El trigal fue un símbolo de las políticas existentes en cuando a la alimentación, el comercio y la economía. Además, reflexionaba sobre la manera en la que se dejó de lado el debate sobre la gestión de los residuos, el hambre en el mundo o los problemas ecológicos. (…) Esta obra de arte ha viajado a casi una treintena de ciudades gracias a la exposición itinerante «The International Art Show for the End of World Hunger», organizada por el museo de arte de Minnesota. (…)» (fuente de texto y fotos: Agnes Denes)

(+info)

(via Agnes Denes)

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«La artista holandesa Will Beckers crea mágicas instalaciones que exploran nuestra relación con el mundo natural. Utiliza materiales naturales vivos y no piensa en sí misma como una «artista a tiempo parcial», ya que su arte siempre se termina por la propia Naturaleza. Sus esculturas caprichosas se hacen para que la gente disfrute, pero también sirven como refugios para animales del bosque y los insectos.»

(+info)

(via inhabitat)

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«Toshiko Horiuchi es una artista japonesa que ha creado el primer parque infantil con ganchillo en el Hakone Open Air Museum de la ciudad de Sapporo en Japón. Todo empezó cuando ella estaba exponiendo una de sus obras en un reconocido museo de arte. Dos niños entraron en la sala y al ver su obra se lanzaron y empezaron a escalarla saltándose todas las normas del museo. Toshiko Horiuchi se quedó muy soprendida y empezó a ver su obra de otra forma; mucho más viva. Así que decidió cambiar el blanco de su obra por colores más llamativos y diseñar junto con un grupo de arquitectos e ingenieros este enorme parque infantil. Después de 3 años de trabajo lo inauguraron en el año 2000. Durante el montaje la artista estuvo 10 horas al día haciendo ganchillo.» (fuente: Duduá)

(+info)

(via duduadudua)

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Título: DIARIO DE UNA ARQUITECTA

Escuela: UNIVERSIDAD DE ALICANTE

Tutor: ENRIQUE NIETO

Año: 2013

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¿Por qué he realizado este proyecto?

El diario de una arquitecta parte de una disidencia respecto al modelo PFC de producción de arquitecturas que analizan presentes estáticos para dar como solución final un ‘objeto arquitectónico’ delimitado.

Pretender analizar o generar un determinado contexto desde el cual actuar perdía entidad a favor de registrar mi propia intervención cotidiana sobre la realidad, siempre alentada por una corresponsabilidad política. Solo eso podía ser mi PFC.

¿Qué es?

El diario de una arquitecta funciona a modo de manual de insurrección arquitectónica.

El diario registra, opera e interviene sobre procesos y conflictos presentes que he registrado y sobre los que he intervenido a lo largo de un año en Madrid, extrayendo de ellos aciertos y errores que puedan servir para reproducirlos e implementarlos, en tanto que son siempre dinámicos, imperfectos e incompletos.

¿Cómo lo he elaborado?

Tres partes registran las tres líneas de discurso del proyecto:

1. Contrageografía: la construcción de una cartografía y un mapa pictórico de fotografías que cristalizan y describen la realidad presente de espacios de contrapoder de Madrid relacionados con la problemática habitacional.

(documento completo ‘Contrageografía’)

2. Vestiario: la domesticación a coste cero de 170 m2 de uso industrial que seis personas hemos reapropiado como espacio habitacional y de producción cultural, añadiéndolo como nodo de la contrageografía.

(documento completo ‘Vestiario’)

3. Acción directa: la defensa del derecho a la vivienda mediante acciones directas llevadas a cabo junto con diversas asambleas/colectivos geolocalizados en la contrageografía.

(documento completo ‘Acción directa’)

Una cuarta parte registra las interacciones del proyecto y está orientada a la producción de un feedback y testeo en lo real.

(documento completo ‘Diario de una arquitecta’)

1. CONTRAGEOGRAFÍA

La elaboración de una contrageografía nace de la necesidad de conectar diversos nodos locales que trabajan en dinámicas de resistencia ante la problemática habitacional. Muchos de estos nodos permanecían invisibles más allá de su contexto local y no se producía una transmisión fluida de conocimiento a pesar de tener una práctica común.

Como arquitecta que también opera dentro de esa red, tras la detección de esa problemática, mi función ha sido la de intermediación, desplegando herramientas propias para la intervención en la lectura del territorio. El objetivo no era centralizar sino potenciar estos hiperlocalismos: geolocalizarnos para posicionarnos en el mapa y visibilizar y consolidar una red distribuida.

Esta contrageografía ha sido elaborada gracias al trabajo en red de sus propios actantes, produciéndose una apropiación e implicación en el proceso de cada nodo, en un interés por localizarse y localizar al resto, volcando en un documento de texto editable en grupo en tiempo real sus datos y localización. 

Posteriormente mi labor ha sido cartografiarlos, contraponiéndolos al mapa de espacios públicos normados por el Ayuntamiento, en un documento abierto y descargable. La propia generación del mapa sirve como medio para la lectura, visibilización e interpretación de interrelaciones sobre el territorio desde una narrativa crítica, lo que legitima la elaboración del mismo. El feedback generado a partir de este documento abierto verifica su utilidad en lo real.

2. VESTIARIO

La domesticación de un espacio de uso industrial (V-estiario) nace de la necesidad habitacional de seis personas que buscan transgredir el modelo establecido de vivienda. Se pretendía no solo operar como espacio doméstico sino añadir un nuevo nodo de producción cultural, social, política: a la función de vivienda se le añade la propia autogestión del espacio mediante eventos nacidos de intereses propios o compartidos con otros colectivos o comunidades.

Todos los actantes del espacio intervienen en su domesticación desde sus saberes particulares. Mi aportación no ha sido la de resolver una problemática habitacional a modo de solución dada y acabada. Ha sido la de explorar y registrar dinámicas y procesos de apropiación del espacio en un continuo testeo en lo real. La constante reconstrucción del espacio por medio de fotografías, textos y mapeos de sus elementos sirve, además de como registro, como construcción de futuros presentes, a modo de metodología de producción: como laboratorización de una forma de construir nuestra propia realidad.

Además de intermediar en carencias del espacio por medio de trueques, donaciones y compras puntuales, también era necesaria la intervención arquitectónica según el entendimiento tradicional del término. Se ha utilizado como metodología de trabajo la autoconstrucción, que permite abrir un proceso de aprendizaje colaborativo y empoderamiento. Los manuales de construcción generados sirven como cristalización del proceso. De esta manera, la información producida se convierte en un recurso para el conocimiento común. Se genera una arquitectura de código abierto donde esos manuales se comparten en redes de afinidad. El proceso es replicable pero también reapropiable y modificable.

El registro de Vestiario sirve también como testeo y herramienta para la construcción de nuevos espacios afines en una comunidad más amplia con la transmisión de nuestras propias experiencias a nuevos colectivos surgidos en Madrid que se han reapropiado e implementado este modelo habitacional.

3. ACCIÓN DIRECTA
La participación en acciones directas por la defensa del derecho a la vivienda con diferentes asambleas y colectivos tiene que ver con la operatividad real sobre el propio territorio. Con la presencia física y social sobre la base de unas estructuras de poder que están en todas partes, puesto que proceden y son producidas en todas partes. Con la participación social activa en procesos autoorganizados como parte de reapropiación de poder.

El diseño y posterior registro de estrategias cotidianas de resistencia también es un esfuerzo por dibujar, registrar, generar un conocimiento de utilidad social sobre modos de confrontación política en la ciudad para así llegar a un entendimiento común del territorio que se habita, a una realidad compartida donde se pueda actuar conjuntamente.

En la mayoría de casos, ese entendimiento compartido del territorio se ha ido traduciendo verbalmente en círculos de afinidad: cómo ocupar un edificio ayudados por un grupo de apoyo, cómo ocupar una sucursal bancaria para incitar a una negociación, cómo hacer un escrache… Estas acciones claramente pueden funcionar con o sin el mapeo gráfico de las mismas puesto que es esa transmisión verbal la que ha ido interiorizando modos de hacer sobre el territorio en comunidades afines (aunque muchas veces usando herramientas descriptivas como google maps, mapas del catastro, esbozos de la zona…)

El hecho de haber colaborado en diversas acciones ha supuesto que mi aportación a la hora de la planificación estratégica sea la de abstraer en una simbología esos conceptos asentados (tipos de espacios, flujos, tipos de acciones, roles…) para su uso en planificaciones propias o exportables. No para que sea necesariamente un arquitecto el que intervenga en su planificación, sino para facilitar una herramienta exportable de lectura del territorio, reapropiable verbalmente o sobre aplicaciones gratuitas de uso extendido como Google Maps, para su replicabilidad fuera de los círculos locales de afinidad.

(+ info: domesticidadcompartida.tumblr.com)

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